深度休閒的古典音樂欣賞 之一：
分辨演奏水準的欣賞能力
前期文章《回歸休閒活動的本質：深度休閒的古典音樂欣賞》揭示了古典音樂這一休閒活動關鍵的本質：深度休閒。相對於前文提出一般性的判準，這篇文章將提出讓古典音樂的欣賞活動走向深度休閒的建構方法。也就是說，本文提出的方法不是唯一的，只是一個可行途徑。無法學習本方法，不代表無法進行深度休閒，只是代表個人偏好不志於此。誠如深度休閒理論的描述，如果個人無法學習本文的方法，浪費時間爭辯本方法是否合適是最違反深度休閒的垃圾活動！最正確的方法只有一個，就是趕快去尋找其他更適合自己的方法。
過去在網路上我曾經發表過兩篇文章，隨興寫出分辨演奏水準的欣賞能力現象。第一篇是《古典音樂的欣賞與精緻藝術的辨認》，描述如何在黑箱測試的情況下，直接在一堆唱片公司主打的小提琴家中，直接聽出David Oistrakh的演奏水準明顯高出其他人一大截。在第二篇《古典音樂的欣賞與精緻藝術的辨認 之二：舒伯特D.934隨興漫談》中，直接盲目試聽出Virgin的卡普松錄音有過份加料，演奏還不錯，弓法好。果然過了數年後買下卡普松在ERATO的聖桑第三號小提琴協奏曲，在錄音夠正確的情況下，欣賞到他極為高超的演奏水準，直接列入該曲目最佳唱片之前幾名。
在這些經驗中，一再發現演奏水準的辨認是非常客觀的現象。很多同好可能會習慣性地宣稱這是個人修行水準高強的結果，然而我再次以我那年僅兩歲的小犬為例；『《音樂分立》兩歲小孩『對聲音尊敬』的啟示 之二《春之祭》』一文中明確表現出，連兩歲小孩都聽得出著名的阿巴多與倫敦交響樂團根本演奏地不怎麼樣，直接的反應看文中所附加的影片檔就一清二楚了，只差一點沒有哭出來而已。兩歲小孩也不可能是什麼誇張的絕頂天才，一切都只是一個非常簡單的事實：演奏水準是非常容易分辨的！只是我們一直忽略這個簡單感官直覺，甚至偏差於閒逸休閒的觀念誤認為辨認演奏水準是不重要的，結果造成這種兩歲等級的感官能力更形喪失。
以下我提出三個不同的方法，逐步提升古典音樂欣賞者對於『演奏水準』的分辨能力；當然了，這三個方法是有次序的，第一關通不過，往上第二、三關極可能會走偏而不自知。
一、透過版本比較分辨演奏水準：
古典音樂圈非常流行版本比較，我也很樂在其中。但是我強烈主張先不要去談論演奏家造成了什麼哲學意涵或精神境界，先單純問問看：他演奏地好不好聽？這樣子版本比較才能帶出真正的古典音樂欣賞意義。為何如此？因為所謂的精神境界是『認知可穿透』的；廣告或媚俗觀點告訴你海費茲演奏非常冷峻，你就會據此批評其他二十幾個演奏版本都不像海費茲一樣冷峻有特色；然後把眼睛蒙上，真糟糕，沒有眼睛偏見下，你直接宣稱這二十幾個版本中海費茲那張是最不冷峻的……以上是一個真實的音樂心理學實驗結果，說明了版本比較常常變成自欺欺人的遊戲，當然無法讓古典音樂欣賞走向深度休閒了。
有鑑於此，我提出的版本比較原則是：強迫自己不要預先選擇知名演奏家，找最新最現代的演奏；也不需要聽完整首音樂，挑一段自己喜歡而特別熟悉的樂段，快速辨認出這段音樂的演奏效果是不是非常好聽；這樣子就夠了！《古典音樂的欣賞與精緻藝術的辨認》相關的兩篇文章所描述的情境就是這樣子發生的。
這種方法當然不夠嚴謹，會不會有高明演奏家剛好該樂段演奏失常？當然絕對有可能！問題是，我們是在追求深度休閒？還是在自以為上帝並傳講真理？誤判高明演奏家的演奏水準有什麼關係？最重要的是對自己的感官系統誠實！否則就要被兩歲小孩嘲笑了。
這種透過版本比較來增進辨認演奏水準的能力是本文主張的第一種方法，它原本是一種花費甚巨、唱片堆到天花板的辛苦工作；幸好現在有一種偉大的大神叫做youtude，上面擁有任何唱片收藏家都無法達成的豐富資料，更有人把所謂的演奏大師之聲音檔上傳。其實這是一個很殘酷的事實，任何兩歲的耳朵都可以聽出youtude上一大堆最現代的無名演奏家，演奏水準遠遠比所謂的演奏大師高明太多了！許多自認為古典音樂精英的媚俗者害怕演奏大師破功會影響自身的威信，或者認知失調無法接受自己信仰的大師居然是肉腳，紛紛找出各種理由去否定youtude上的殘酷事實；最常聽見的理由就是youtude的音質太差無法展現演奏大師的真正水準、常聽YOUTUDE的低水準音樂造成古典音樂素養低落……
在此必需說出更殘酷的事實：YOUTUDE的音質再差，也絕對不會把高明演奏變成低級演奏，或把低級演奏變成高明演奏。YOUTUDE音質的確非常爛，但是它非常平等的大家一起爛；通通打三折的公平情況下，使用最簡單的數學或邏輯就知道，再怎麼打折，演奏大師輸了就是最正確的事實了！頂多只有極為少數的例外。這是從邏輯推論上來說明。
真正更殘酷的事實是：網路發達下很多LP黑膠玩家都希望分享彼此調整的黑膠播放是否更好，但是總不能一天到晚搭高鐵亂跑吧？很快的，他們發現使用3C級的相機拍攝LP播放時的影片並錄下聲音，這麼低品質的錄音放上YOUTUDE，再使用很爛的電腦主機板音效與電腦喇叭來鑑聽。結果，聲音當然難聽到爆！然而參與者都發現聲音再怎麼難聽，還是可以清楚發現上傳者針壓調整多了0.X克、抗滑少了多少、AB點又差了多少……連這些非常細微的聲音訊息都可以透過這麼爛的錄音與這麼爛的YOUTUDE而被發現出來，相對而言明顯太多的演奏水準反而會被YOUTUDE搞到聽不出來？真的不要再神話演奏大師了，爛就是爛！當然了，真正的古典音樂高手就會知道，因為演奏水準有科學知識的進步與累積，所以舊不如新是天經地義的事，所謂的老大師絕大多數都只是商業炒作而已。
以下提供一個使用YOUTUDE進行版本比較的實例，輕易就可以戳破『指揮大師』的神話。
現在我們要欣賞貝多芬的 Coriolan Overture, Op. 62。該樂曲有極強的戲劇張力，但是我們是要聽音樂不是要看電影，因此不要聽氣勢與情感這種容易被知識蒙蔽感官的內容。我先隨便到YOUTUDE上查了一下：
1、克倫貝勒的KLEMPERER - 1963 (Live) -
Coriolan, Ouverture - BEETHOVEN
2、小克萊伯的Carlos Kleiber Coriolan
Beethoven
3、福特萬格勒的Wilhelm Furtwangler Coriolan,
overture
4、卡拉揚：集錯誤錄音與錯誤演奏之大成………
5、頂級演奏又是好錄音的最佳推薦：I Musici de Montreal
- Yuli Turovsky - Ludwig Van Beethoven (1770-1827) - Coriolan Overture, Op. 62
- January 2008
使用第5範例就可以聽出其他四位老大師的問題何在。柯里奧蘭序曲這首音樂表達情緒的作曲手法，是透過主旋律與伴奏之外的內聲部，從而產生焦躁與急進的英雄氣勢。從第5這個最佳版本之 2:36開始，注意中提琴與大提琴的明確刻劃；再延續到發展部，3:20改由第二小提琴與中提琴接手，因為木管與大提琴早己引出新的嚴肅徐緩動機，這與OP.131第七樂章的性格是有繼承關係的。
就詮釋而論，第3福特萬格勒真的難以取代；但是正因為他太重視詮釋，所以中提琴與大提琴的內聲部就不夠明確；這是聽情感詮釋的，不是聽『音樂的本身內容』。第1克倫貝勒真的結構嚴謹，但是比起第5就太僵硬而索然無味了。第2小克萊伯雖然有戲劇力，但是請你把眼睛閉起來……只憑聲音本身，有沒有發現比最佳版本多了兩倍的樂器數量，聲音的渾厚與表情的生動還是輸了好大好大的一截？以上差異當然可能是錄音水準的差異，但是，我們沒事去欺騙自己的耳朵幫不夠水準的錄音背書幹麻？差就是差，耳朵這麼誠實地告訴我們了；然後我們還要自我欺騙地宣稱因為是老大師，所以要扭曲地認為很好聽才是聽得懂古典音樂的精英人士……很可惜，網路上古典音樂討論區之多數言論，幾乎都停留在這種媚俗水準。
第4為何是錯誤錄音與錯誤演奏？1943的福特萬格勒我還聽得出何時是中提琴與第二小提琴、何時是大提琴與中提琴；而在第4卡拉揚版從頭到尾只有『數位合成的弦樂部』與第一小提琴的差別。而這種把貝多芬的管弦樂『第一小提琴協奏曲』化的演奏特性，幾乎都是卡拉揚演奏貝多芬的主要風格無誤。說這種古典音樂適合入門，乾脆說貝多芬只會寫第一小提琴協奏曲算了。
回到第5，你要聽美好的聲音本身？還是好古非今的追星態度？
這是分辨演奏水準最基本、最重要的第一階段。古典音樂因為需要『演奏』，所以演奏家的重要性不輸作曲家；在此先不討論到底演奏家能不能再創作原始作品這個高難度哲學問題，只要簡單指出：音樂本身的美好，是必需透過合格的演奏家來表現的。我在《兩歲小孩『對聲音尊敬』的啟示》相關文章都表明，只要是合格的演奏與合格的錄音，兩歲或三歲小孩都可以輕易感受到最複雜的古典音樂之美妙聲音，完全不需要任何學習或教導。
然而，在台灣社會本身沒有良好的古典音樂傳統而深受跨國資本主義的文化工業洗腦情況下，我們三歲級的古典音樂欣賞能力是逐步被破壞的，而且聽越多古典音樂、被破壞地越慘烈！造成當我們年長後基於休閒需要，想接受更多古典音樂洗禮時，反而最應該『回歸小孩子的樣式』：回到三歲小孩子的演奏水準之分辨能力。所以這個『版本比較』才是最重要的第一階段，通不過，可能表示已經無法單純感受到聲音本身的美好了。
擁有正確的聲音分辨能力，才有資格談論真正的演奏水準。通過這個第一階段的考驗後，再來討論演奏家的演奏水準，就可以獲得真正的分辨能力了。
二、透過演奏新秀分辨演奏水準：
第二階段是透過『演奏新秀』（新手啦！）來分辨演奏水準。理由也很簡單，因為演奏新手最不善長使用特殊的詮釋或情感喚起來掩蓋演奏技巧的缺失，再者回到我一再強調的，古典音樂的演奏水準是科學的進程，新世代的演奏技巧一定勝過老世代。所以我們現在所能聽到的演奏新秀剛好就是演奏技巧真實的展現，剛好成為最真實的素材。這也意謂著，過十年後這裡提到的演奏範例就不再適用了……:~~~~~
剛好最近出了一套符合要求的唱片，ZZT335，伊莉沙白女王音樂大賽得獎眾人演奏聖桑的曲目。
廠牌：Zig Zag Territoires (ZZT) / 編號：ZZT335 (3CD)
這套唱片錄音是上等，只是沒有TIMPANI那麼極緻。它的特色就是由伊莉沙白女王音樂大賽得獎者來演奏，年齡應該都在30或以下。我先強調伊莉沙白女王音樂大賽其實才是歐洲古典音樂界最重要的盛會之一，這表示得獎者都是數一數二的絕代高手。正因為是重要盛會，所以伴奏的樂團是舉世最高強之一的烈日愛樂樂團，因而所有的音樂感受都會極大量來自獨奏小提家的演奏水準。
最有趣的是，唱片內頁解說列出演奏人名時，如下圖排列：
我當初先欣賞最愛的第三號小提琴協奏曲，結果覺得小提琴演奏很普通？後來聽到第二張唱片，才發現上圖隱含的秘密原來是：名字排在越前面的，越高強！排在越後面的，越肉腳；ＸＸＸ的，第三號小提琴協奏曲的演奏家原來排在最後面……
我提出一個明顯的現象叫做『樂句之間的連貫性』。先比較最肉腳的第三號小提琴協奏曲第二樂章與最高明的Elina
Buksha之第二張ＣＤ第八軌Caprice andalou,Op.122。第三號小提琴協奏曲第二樂章大約00:13開始，獨奏小提琴一出現我就覺得樂句不夠連貫；仔細一聽，你會發現一開始音符很平淡，00:16與00:17出現兩個被加強表情的重音（應該是透過手臂抖音），卻又很黏著的不良表現；所謂的『黏著』是指，一個突顯的重音，沒有乾淨利落的表現，而是由弱到強再由強而弱略有延遲；這是帕爾曼最嚴重的演奏缺陷，怪不得我一聽就覺得不舒服。
這個技巧缺陷到了03:03的第二主題出現後，顯示出它的嚴重性。一方面強奏的長音你會覺得聲音不飽滿（這是弓法不夠強的原因，跟帕爾曼完全一樣），然後就會覺得樂句之間『斷』地非常刻意，非常影響聆樂的快感。到此我已經聽不下去了………
反過來聽最高明的Elina Buksha之第二張CD第八軌Caprice andalou, Op.122。一開始的G弦獨奏原本聲音就比較飽滿，勝之不武；再來聽01:21開始以高音域表的旋律線，就會發現兩位演奏家的演奏水準實在相差太多了！Elina
Buksha的每個音都是乾淨利落地立即出聲，完全沒有黏著感；連帶樂句間也不會出現明顯的『斷』感，於是音樂的表現讓我們覺得『流暢而自然』，得到極大的聲音享受。這種等級的小提琴家，遠遠勝過任何古典音樂討論區上的唱片大師的，因為演奏技巧的紮實訓練是有科學的累積效果，老大師的基本功幾乎都注定一定輸給演奏新秀。
有了這個基本認識後，挑戰自己看看，能不能在這張唱片中聽到：Elina Buksha > Harriet
Langley > Maria Milstein > Liya Petrova 。於是，我們得到第二階段的能力：從不同曲目也能分辨演奏家的基本演奏水準。至此先不要談整體音樂的詮釋效果，先談論基本功：小提琴發出的聲音有沒有讓我們覺得『很美』？這種基本功的認識正是欣賞古典音樂最重要的基本能力，然後就可以進入第三階段。
三、透過整體演奏來分辨演奏水準：
現在我們終於到達了這一步，欣賞整體演奏效果的演奏水準。我得再次強調絕對不能好高鶩遠，太多人都自以為能快速分辨整體演奏的水準，其實沒有基礎能力的分辨整體，最容易發生『拿雞毛當令箭』的情況。其實我深深懷疑福特萬格勒的瘋狂知名，單純只是因為誇張的自由速度太容易被聽出來了！聽到這個明顯特色之後，就自以為聽懂了福特萬格勒的整體演奏效果，再到處說他很崇拜福大師；真的測試的話，因為誇張的自由速度很容易分辨所以不會破功……長期以來，就出現一大堆『福粉』了。而證明福粉的悲哀很多人都知道，最有名的1951拜魯特錄音，反而是最爛最亂剪貼的偽造品等級，這就足以說明一切。
另一方面，整體演奏效果是非常難客觀論述的！所以讀者也會發現我以下的論述很難客觀化。偏向客觀化的論證，只能看看論者能提出多少重要的細節，透過發現細節的多寡來旁證欣賞家到底有沒有真正聽到整體演奏效果。然而，誰知道他聽到的細節是『自主聽到』的？還是閱讀他人心得後瞎扯的？前述海費茲很冷峻的笑話殷鑑不遠，所以要訓練自己的分辨演奏水準能力，一定要找新秀或不知名的演奏家！這個意思又是，十年後我舉的範例又不能用了……:~~~~~
剛好最近新天新地唱片行新進一家唱片廠牌完全符合我們第三階段的訓練要求。這是LYRINX，一家也是夫妻檔的小唱片公司，強調DSD錄音並大量發行SACD；唱片內容偏向主流曲目，其實我自己也偏好主流曲目，終究過去研究太久都已經有很深厚的感情了。所以在錄音合格的情況下，曲目又是大家熟悉的，又大量採用新銳演奏家，這就非常適合進行第三階段的分辨演奏水準之訓練。
要說明一下，雖然SACD可以當成CD進行播放，但是播放品質會『很爛！』，RIP成檔案進行CAT播放就不會有問題了。而LYRINX錄音水準明顯還是與新天新地最偉大的SOLSTICS/FY、TIMPANI、HORTUS與SKARBO有一大段差距，跟素質差一點的ZZT或最新的ERATO相比，有音響美學方向的不同；嚴格來說，LYRINX更偏向大廠的流行口味，與SOLSTICS/FY、TIMPANI這種殺音響的走向有明顯差別。所以我並沒有瘋狂推薦它的錄音水準，只能說水準合格；真正讓我迷上的是高超的演奏水準。
我對這家廠牌還沒有全包，只有第一次測試性地買了許多張唱片；連新天新地唱片行的同好之經驗分享都沒有看，直接用『猜』的選了十幾張唱片回家測試。怎麼『猜』呢？多年的經驗，凡是法國廠牌與法國錄音的鋼琴音樂，挑女鋼琴家永遠不會錯，於是我選了以下三位女鋼琴家。
第一位是Paloma Kouider，LYR 271，有最大眾的李斯特第二號匈牙利狂想曲，被我稱為真正的『野田妹』。這是非常容易辨認的特質，你會發現她使用誇張地自由速度並加上一大堆額外的裝飾奏。重點是聲音本身，以朗朗為代表喜歡把這首音樂超技化而得到很大的流行風潮，那種超技的成功是任何不懂古典音樂的人都聽得出來的。那麼一個深度休閒的古典音樂者與一般人有什麼不同？直接痛罵朗朗
剛好是最低水準的附庸風雅行為，因為你根本聽不出他有什麼問題，只會根據態度、行銷與其他無關音樂的條件去批評。其實拿Paloma Kouider一比就非常清楚了，朗朗彈出來的聲音『完全不美』才是最根本的問題。同樣都是亂來惡搞的演奏，Paloma Kouider有明確的聲部線條，每個和聲應有的色彩也一清二楚，這說明了她的惡搞是在『維持音樂之美』的基礎上進行即興演奏，這才是真正的即興演奏！無論是什麼演奏，脫離音樂本身美感就是毫無意義的。
剛好是最低水準的附庸風雅行為，因為你根本聽不出他有什麼問題，只會根據態度、行銷與其他無關音樂的條件去批評。其實拿Paloma Kouider一比就非常清楚了，朗朗彈出來的聲音『完全不美』才是最根本的問題。同樣都是亂來惡搞的演奏，Paloma Kouider有明確的聲部線條，每個和聲應有的色彩也一清二楚，這說明了她的惡搞是在『維持音樂之美』的基礎上進行即興演奏，這才是真正的即興演奏！無論是什麼演奏，脫離音樂本身美感就是毫無意義的。
當然尊重作曲家意圖才是這種野田妺的重要法則，否則就真的是亂來了。匈牙利狂想曲本身的作曲意圖本為炫技而生，野田妹式亂來的即興演奏是無妨的；但是回到本唱片另一首貝多芬的田園奏鳴曲op.28，它的第二樂章是極罕見早期作品卻擁有後期作曲技巧與心靈的吉光片羽，懂得尊敬樂曲本身的演奏家就會知道這種音樂要嚴肅以對。果然，這個樂章的Paloma Kouider就正襟危坐起來。
這些音樂之美是不證自明的，問我現在已經四歲的小鬼最清楚。他一向喜歡聽這首匈牙利狂想曲，第一次播放這張唱片時，我仔細看著他的反應：雖然會被自由即興的添加樂段嚇了一跳，但是他仍然開開心心跟著搖晃身體；比較先前聽到演奏不良的《春之祭》之落寞反應，就可以知道這張唱片通過了考驗。
第二位是Caroline Sageman，LYR 2256，蕭邦的波蘭舞曲集，最流行的《軍隊》、《英雄》都在列。她的演奏與上一位剛好完全相反：Paloma Kouider是突顯演奏家的特色，Caroline Sageman卻是突顯樂曲本身的特色，也就是沒有什麼明顯的演奏特色可以讓你一下子就辨認出是她在演奏。但是真的要挑剔她的毛病，又完全找不到任何音色營造的問題，只聽到單純的鋼琴美感。這正是新銳演奏家的功力，紮實的技巧是無可挑剔的；再加上夠好的錄音，反而讓我們欣賞這些主流曲目時得到真正的享受。用最簡單的形容，這種夠水準的新銳演奏家可以讓我們清清楚楚聽到每一個音符，尤其是快速音群的音符之間一點都不會糊成一團。
《英雄》波蘭舞曲在YOUTUDE上有太多所謂演奏大師的範例（包含極為著名的老大師），幾乎人人都是努力把『英雄』變得非常英雄、連貝多芬都沒有那麼英雄。然而真正的蕭邦那會是什麼革命家？真的要革命就不會只寫一首附會的練習曲，而是應該把寄託想像的?事曲寫成革命曲才對。然而我們都聽得出生活在巴?的波蘭人蕭邦，波蘭只是一種寄託的典雅鄉愁；因此《英雄》波蘭舞曲的聲音符本身應該『是典雅勝過英雄』才符合作曲家原意，一味誇飾的英雄化只是這個時代的詮釋流行而已。所以我才會多次反覆強調：唯有回歸音符本身，那才是真正的古典音樂。
第三位鋼琴家Marie-Josephe Jude，LYR
2273，貝多芬奏鳴曲8, 23 & 26。這位鋼琴家因為同時在TIMPANI錄音，所以我直接賭上而買下一大堆，果然又是一個絕代鋼琴高手！不過，她有一些唱片標示了某家音響發燒廠技術合作，結果聲音……以後再慢慢研究。
這位鋼琴家不是新銳，年齡夠大而是真實存在的演奏大師了。這下子我開始進入主觀用語的困境，因為要把這種大師級的音樂水準使用客觀論述來表現簡直是不可能！首先是，因為這張唱片，讓我的四歲小鬼從此愛上了《悲愴》奏鳴曲；而我一向最討厭《告別》，遇到這麼偉大的演奏也只能甘拜下風。四歲小鬼從小就喜歡《熱情》奏鳴曲，喜歡到可以自己坐在鋼琴前面抓出單一主旋律的音符並彈奏，甚至嘗試抓出一部份的慢板樂章之左手伴奏。當然了，在這個挑剔小鬼的耳朵下，要讓他認同另一個《熱情》演奏版本簡直是不可能。
偏偏Marie-Josephe Jude就是可以！她的演奏同時具備上述兩位的優點：該自由奔放時，她可以比Paloma Kouider更活潑靈巧；該收回演奏家而突顯作曲家時，她可以比Caroline
Sageman更精雕細琢出每一個音符。所以仔細欣賞到她每個音符的音色與速度、力度的整體營造，會不由得驚呼真的是大師！舉《熱情》的第二樂章正是典範。
第二樂章是變奏曲式，主旋律呈現之後逐漸增加音符越來越快，先第一變奏、第二變奏再到最快速的第三變奏而回歸緩慢主旋律之結尾。我們可以清清楚楚聽到一開始慢板樂段每個和聲的組成音符，這就是最精彩的精雕細琢，無怪我的四歲小鬼據此幾乎抓出左手伴奏的所有音符。這麼典雅的主旋律後，進入音符增加一倍的第一變奏，持續保持典雅氣氛；到了變化極大的第二變奏，可以聽出右手對位旋律開始走向活潑靈動的主觀詮釋，但是左手的固著旋律線仍然維持著典雅風格。到了最自由奔放的第三變奏，當然野田妹風格就爆發出來；再慢慢地回覆到典雅的風格，回歸主旋律的徐緩樂段，最後接往第三樂章。
Marie-Josephe Jude的演奏已經是真正的大師級水準，然而從本文的角度，著重在如何正確地辨認出『大師水準』？如果太早談情緒的營造，那麼很多老大師都會在這種名義之下被盲目地相信。因此我提出這三位演奏家，正是進行一個高難度的演奏能力之分辨；第一位Paloma Kouider是在基本功合格的情況下聆聽『自由詮釋』，第二位Caroline
Sageman同樣是基本功合格的情況下聆聽『音符營造』；第三位Marie-Josephe Jude為何是大師？我的操作型定義就是：同時有第一位的『自由詮釋』素養，又同時有第二位的『音符營造』水準，那麼她就幾近是一位極緻的真正大師了。可想而知，這麼嚴苛的水準，沒有多少鋼琴家可以通過的；不是缺一缺二，就是連基本功都有問題。
要強調的是，我絕對相信有人可以完全不懂什麼是基本功或『自由詮釋』與『音符營造』，卻能直接聽出Marie-Josephe
Jude是真正的大師。這是因為他使用了不同的途徑學會了正確的演奏水準分辨能力，當然要大加贊美。所以我再次強調：這都是基於還沒有分辨能力、或者是想加強分辨能力的古典音樂愛好者所設計的『教材』，是『教材』而不是『真理』；當然了，我有自信它是非常正確的教材就是……;)
四、結語：走向深度休閒的演奏水準分辨力
看到這裡，讀者應該發現這一點都不輕鬆，要花非常多的精力與心神，可能同一樂段還要反覆聽一二十次！所以我才會先寫出上一期的文章，先強調『深度休閒』的重要意義，然後就可以理直氣壯要求欣賞古典音樂必需如此辛苦了。不想這麼辛苦？那只會變成文化工業所洗腦的異化人生，千萬別以為這樣子沒什麼關係！前一篇文章已經講得很清楚了。
如果願意接受這樣的挑戰，從YOUTUDE（最後偷偷講我是故意拼錯字母的）開始透過同一曲目、方便地辨認演奏家的基本功，再從演奏新秀學習不同曲目下仍然能分辨演奏水準的差異，最後可以掌握整體性的演奏水準從而辨認出極緻的大師風釆。在這樣子的古典音樂欣賞能力之下，它就可以回報最佳的休閒效果，從而保障我們身心靈的健康；如此，欣賞古典音樂才有真正的意義與價值。
(END)
